跨步十年 蝸行留痕

認識琇鈐超過十年了，常聽說她在趕畫，但可以確定的是她每一次展覽都不是趕出來的。她的畫清清雅雅地，不多話，一如她的人只慣於淺淺地笑，所以沒有當代藝術所謂看懂或看不懂的問題，有的只是一種純欣賞的恬適愜意。

或許是對宋代花鳥畫觀察之精確細微心嚮往之，而有著她日後沉浸植物描繪的創作。畢業展時她曾在創作自述中寫著：「在障壁畫的畫面中，多是為呈現坐在榻榻米上觀賞室外庭園風景的延伸，進而將戶外的景觀與室內空間相互融合成為室內的一部 份。」加上心儀小津安二郎「對形式與內容統一的強烈美學要求」，因此窗外的紅花綠葉於她早鐫刻入魂，蔚然成畫。她的作品似乎從和風的美學衍生，但隱隱又可看到中國傳統的文化內涵與底蘊。

從 2008 年在佛光緣的展覽，「青春嶺」聯展（科元藝術中心）、「印象詩意」四人聯展（台中縣立港區藝術中心），到 2010 年「意象風華」聯展（台中縣文化中心），2012 年「植栽剪影 ‧ 植栽描繪」（科元藝術中心），2014 年「一步之外的 距離」（科元藝術中心），2016 年「紅花集」（科元藝術中心）、「夏日午後的白日夢」（之間茶食器）、「尋常中的寧靜」（襲園）、「微風香步書畫有約」聯展（南投縣文化局），乃至 2017 年立東「觀自在」收藏展（立東建設），她除了將臨摹 古畫的繪畫學習經驗轉於描繪生活中的植栽，也始終堅持她自許的「創作過程以生活經驗為主軸，技法以多層面的混合運用，要求自我完成畫面形式的理想性精神」。

初識琇鈐是在東海的課堂上，高瘦身材，紮個馬尾，眉宇間還隱隱有著不敢跨越的戒慎敬謹感。創作之路，從最初的嘗試，看似混沌未明，一路走來愈見清晰。從最早的「剪影折枝」到近期的寫荷、寫植物，從折枝到大自然寫生，作品也似乎多了人世 的溫度。膠彩融入水墨畫的雅致，有種極簡的美感。而作品可單幅，也可連屏的屏風式創作方式，也使得她的作品可「微觀」， 也可「巨視」，有單幅的雅麗，也有連屏的氣勢。

東海大學在 2017 年膠彩研習營邀請了日本藝術家宮いつき樣，琇鈐坦言：宮いつき（MIYA ITSUKI）的論點和技法示範帶給 她很大的啟發，尤其在貼箔技法上，自己幾乎已固着的工序有了很大的突破，貼箔、砂子金再與礦物顏料上色交互使用，部份 作品也產生類似陶瓷釉料的發色效果，使作品増了一些體積感和量感，這個突破同時也成了她今年（2018）展出作品中的一大亮點。

今年（2018）展覽的主題為荷花與植物，創作底材以紙本為主，絹本次之，大量的紙本創作外，「絹的透明度與朦朧的柔美特性」應是琇鈐最早選用絹本創作的原因。技法傾向薄塗，除描線稿外，貼箔（或裏箔）、顏料敷染（或裏色彩）交互運用， 顏料力求簡單化，所以都用礦物顏料，貼箔除了常見的金、銀箔，也用了大量黑箔表現光與影，描繪作品與她的工筆花鳥功力極有關係，而長期書法線條的鑽研讓她掌握了運筆與手感，長年學習氣功則幫助她維持了穩定的精神與體力，這些在她描線稿 時確實幫助極大。

看琇鈐的畫沒有那麼多的「符指」、「意指」…，也就沒有所謂的「符號學」、「現象學」…，正因如此期許每年，至少每兩年都有新作品展出的她，作品的時代性就不囿限於主題和形式，也表現在技法與內涵。「光」與「影」同時也是琇鈐作品中很重要的元素，2008 在科元藝術中心青春嶺展出至今正好十年，十年磨一劍，跨步十年，每件作品都像蝸行留痕，一如她貼的銀箔，燦閃著銀白色的光亮，曖曖內含光。值此初春季節，凝視畫中盛夏荷塘的容顏，自有「清心自在」的人世風景。